Sound of Metal, el transformador silencio

 Estamos convencidos de la vida como la conocemos por la forma en que la percibimos. Lo que vemos, lo que tocamos, lo que olemos, lo que escuchamos. ¿Qué pasa cuando repentinamente perdés uno de tus sentidos y debés aprender a vivir con ello? ¿Cómo afrontás ese abrupto cambio? Eso es la premisa básica de esta historia, en que una duo de rock conformado por Lou, la joven cantante y guitarrista, y Ruben, el talentoso baterista, se ven enfrentados a un cambio en sus vidas del que saldrán siendo personas completamente distintas, con las consecuencias que les conlleva. 

La historia está basada en un caso real, y está brillantemente narrada en esta película que pueden ver en Amazon Prime. Lo más interesante, es el gran trabajo en el protagónico para Riz Ahmed y de los actores de soporte, Olivia Cooke y Paul Raci, tremendos en sus papeles, y que con toda justicia podrían resultar nominados al Oscar en 2021. 

Pasamos mucha parte de la película explorando la naturaleza de la vida de las personas con deficiencias auditivas, desde la perspectiva de Ruben, un recién llegado a ese mundo, sin tomar tintes extremadamente melodramáticos. La falta de aceptación de los problemas y el auto engaño para el bienestar mental que solemos tener ante los problemas también es tocado de forma interesante, desde el momento en que Ruben conoce alternativas a su recién adquirida deficiencia.

Aunque se trate de la comunidad sorda y de la aceptación ante la situación, y la resiliencia de los personajes, el mensaje subyacente es mucho más universal, es sobre la posibilidad de descubrir que hay algo más, que rendirse es lo más fácil, y no necesariamente es lo mejor. El ser humano ha pasado la inmensa mayoría de su historia adaptándose a las circunstancias de su entorno, hasta que se volvió tan poderoso como para adaptar su entorno a sí mismo.

La edición de sonido es, sin lugar a dudas, el otro protagonista que logra cohesionar esta historia al darnos a entender lo poderoso del mensaje en su conclusión. 

Definitivamente es Sound of Metal una película que debe estar en la conversación durante la temporada de premios. 

Sound of Metal: 8/10.

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La Llorona, un cuento de culpas

 La Llorona es una de las leyendas más arraigadas en América Latina, e incluso ha sido llevada al cine en un par de ocasiones con resultados vergonzosos. Es por eso que lo que Jayro Bustamante ha hecho con esta historia se llena de mucho valor artístico. 

La idea, muy interesante, es que durante el juicio a un ex dictador guatemalteco, un obvio calco a Ríos Montt, se le acusa de la masacre de cientos de indígenas en una de las incursiones del ejército que este comandaba. Eventualmente la historia se va centrando en la familia del envejecido dictador y la culpa que lo carcome así como los efectos que tiene en su núcleo, incluyendo la renuncia de la mayoría de empleados de la casa, luego de sentir que algo extraño sucede con el patriarca, y que luego reciben a una nueva empleada misteriosa. 

Narrativamente conserva el desarrollo de este tipo de historias, mostrándonos en flashbacks lo que vivieron durante el tiempo de la masacre, así como haciendo la separación de lo que imagina o siente el dictador y la realidad. Todo elaborado de una manera muy bien trabajada. 

Si esperan ver una película de miedo, vean la otra película que lleva este mismo nombre, porque esta versión no usa ni scare jumps, ni imágenes repulsivas. Al contrario, te aterroriza con sutileza mostrándote visiones simples que dejan clara la naturaleza terrible de la mente humana en sus peores versiones. 

Ya elegida como la Mejor Película en lengua extranjera por los críticos de Boston, y nominada por los críticos de Chicago, esta película, la seleccionada por Guatemala para el Oscar, tiene posibilidades de alcanzar la nominación, o de al menos llegar al corte de 10. 

En cuanto a lo negativo, si se quiere decir, podemos mencionar la lenta forma de hilar la trama, y el poco oficio de algunos de sus actores que se sienten demasiado obvios en sus papeles. El trabajo del actor, si lo hace bien, es que olvidemos al actor y creamos en el personaje, que desaparezca en él y veamos algo como una muestra paralela de la realidad . Y varios actores fallan, se notan hasta sobreactuados. 

Sin embargo, recomiendo La Llorona como un muy buen trabajo de un cine guatemalteco cada vez más en forma. 

La Llorona: 7/10.

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Wonder Woman 1984, un paso atrás

 Siendo Wonder Woman uno de los personajes titulares de DC Comics, y luego de una interesante primera incursión en Batman vs Superman: Dawn of Justice, previo a su debut en solitario,y a la infame Justice League.lo menos que espero de Wonder Woman 1984 es una decente historia con un personaje ya bien establecido. La película original nos remontó al periodo de la primera guerra mundial hace más de 100 años, para concluir con la época actual. Con Wonder Woman 1984, damos un paso atrás, y no solamente en el tiempo, sino en calidad. 

Retomamos en esta standalone movie, una etapa de la vida de Wonder Woman en que ella hace lo posible por ayudar mientras intenta seguir encubierta con su trabajo en la restauración artística en los museos. Ahí llega un lote de artefactos de un robo frustrado por la misma Diana. Ese es el macguffin que le da sentido a la película completa. La piedra que concede los deseos, vamos, como la pata de mono a la que se hace referencia directa en la película, una de las mejores historias de ciencia ficción y terror de inicios del siglo pasado. Y tal como en la historia originalde la pata de mono, cada deseo viene con un precio. 

Gal Gadot es fantástica como la corporización del ideal de la Mujer Maravilla con antecedentes en el mismo Olimpo, aun cuando su rango actoral siempre parece ser limitado, es su misma presencia la que la valida. Mi mayor problema con esta película es la incoherencia, con demasiados detalles. ¿Un villano que para tener control sobre todos, y todo, decide conceder deseos a toda la humanidad?,¿en serio? Luego, Diana conoce a Batman y a Superman, pero nunca se menciona este evento que pudo haber acabado con el orden socio político del mundo? Luego,qué pasa si 2 personas están deseando algo totalmente opuesto al mismo tiempo,qué deseo se hace realidad? Mucho del entorno fantástico de la película se cae al ver esas situaciones en la película y asociarlos con el futuro que ya conocimos de Diana.

Los villanos son simples y acartonados. Tenemos una Cheetah sin demasiada motivación, que es vencida sin demasiada dificultad. Totalmente intrascendente. Y, por supuesto, el millonario que llega a acumular poder a base de mentiras, comosi fuese un político. Y cuyo desenlace es totalmente inverosímil. 

Entiendo que la conexión emocional de Diana con Trevor fue algo fuera de lo común, pero, por dios, es un ser mítico, con poderes a niveles divinos, y el deseo que se le ocurre es el regreso de Trevor, 70 años después? De verdad que supongo que espero mucho más de una heroína que protege a la humanidad. Y entiendo que sigue siendo humana, pero es ridículo. 

La acción es decente,no genial, aunque la escena de la persecución a Maxwell Lord, y el rescate que hace de un par de niños del medio oriente es muy mal coreografiada, o es simplemente que los efectos de CGI fueron pobremente editados. 

En general la acción se desenvuelve muy rápido luego de un establecimiento de personajes muy débil. Y me parece imperdonable y hasta cierto punto vergonzoso el cameo de Lynda Carter al final de la película. 

Espero que haya una tercera historia individual de Diana, pero que no vaya por este camino, que muestra más desaciertos que aciertos, entre los que puedo contar la fantástica secuencia de apertura (No true hero is born from lies), así como ver a Diana con la armadura dorada que es el epítome de la diosa que resulta ser. 

Wonder Woman 1984: 6.5/10.

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Soul, la búsqueda de propósito

 Debo decir que Pixar es, hoy por hoy, uno de los estudios que mejor aplica el storyrelling para sus productos, de manera que historias que utilizan fórmulas un tanto repetitivas, y el llamado a las emociones más profundas, resulte en un producto tan conciso y bien hecho, y más allá de eso, tan interesante y poderoso. 

Primero, es de notar que esta película claramente, y a pesar de ser animada, no es directamente para niños, y sí, entiendo lo de las dobles lecturas, es solo que hay demasiado subtexto que yace ahí para entender la importancia de esta película. 

Mencioné al inicio que la fórmula es un tanto repetitiva, y si,creo que Soul bebe de la misma búsqueda de los personajes de Inside Out, incluso en la parte que la película de vuelve una buddy movie con personajes disímiles. También considero que apelar a las emociones es una trampa, pero una trampa efectiva, al final de todo, ¿no es para ello que vemos películas?

La historia va sobre Joe, un maestro de música enfrentando una crisis existencial al sentir que no cumplió con las expectativas que se hizo para su vida, hasta que le llega la oportunidad que tanto esperó. Hasta que, en las prisas por hacerlo todo perfecto, muere y llega al más allá a descubrir que quizás nada es como él lo pensó. De ahí es una espiral descendente hacia lo más interesante que hay, el aprendizaje. 

La banda sonora es espectacular, y es de momento, la rival a vencer para los próximos Oscar, en los que también tendrá una batalla encarnizada en la categoría de película de Animación. 

Ante todo lo anterior,también hay que mencionar que llegar al desenlace es demasiado rápido, luego de un gran nudo narrativo, lo que le quita un par de puntos, al igual que por dejarnos en el aire el destino de 22 (Tina Fey), aunque tengamos claro que estamos ante la historia de Joe (Jamie Foxx), y no de 22. 

La vida no es nada sencillo. Crecés, hacés lo que se demanda de vos, estudiás, aprendés, creás ilusiones para tu vida, te generás expectativas, te decepcionás,crecés, y muchas veces morís antes de llegar a conocerte. Esa es la importancia de Soul, aprender que la vida es maravillosa, y que muchas veces conocer y conocerte, es la base de la vida misma. 

Soul es más que una brillante metáfora de la importancia de la búsqueda del propósito para nuestras vidas, es una emocional fábula con la moraleja de que, a veces no logramos comprender el propósito de nuestras vidas, pero es la búsqueda misma la que hace a la vida totalmente valiosa. 

Soul: 9/10. Una de las mejores películas de Pixar. Posibles nominaciones al Oscar en Película Animada, Banda Sonora, y hasta podría llegar al corte de Mejor Película. 

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Happiest Season, inesperadamente buena

 La temporada navideña es semillero para cualquier tipo de película navideña, cualquier combinación de historias con seres mágicos, gente que cumple deseos, segundas oportunidades, familias disfuncionales, y reconciliaciones, y esta temporada no fue la excepción. Ante ello,¿qué más puede ofrecer Happiest Season?

Happiest Season es una comedia romántica navideña en la que una pareja conformada por 2 chicas, Harper y Abby,  y la base de la historia es la negación de la identidad y como ello lastima a los que nos rodean. 

Con un reparto increíblemente talentoso, en el que podemos encontrar a Mackenzie Davis, Kristen Stewart, Alison Brie, Aubrey Plaza y Dan Levy, es precisamente la delimitación de los personajes lo más interesante, y en ir dándonos cuenta de los secretos que cada miembro de la familia esconde, aún cuando tiene una primera media hora lenta, sosa y hasta cierto punto intrascendente, más allá de los primeros 5 minutos que ponen en marcha la historia. Las actuaciones son muy buenas y logran convencerte de las emociones de los personajes y sus motivaciones. Mención aparte la increíblemente divertida irrupción de Mary Holland, como la tercera hermana de la familia, en una actuación que se roba cada escena en la que aparece. 

El mensaje encerrado en la historia también es trascendente al referirse a como debemos aceptar quienes somos y no vivir tratando de adaptarnos a las necesidades de los demás ocultando nuestros sentimientos. 

Recomiendo esta película y les advierto que tarda un poco en asentarse, pero que al final sentirán un poco de comfort en ver esta película navideña. La vida no es perfecta, ¿porqué no tomarse una hora y media para ver a unos personajes agradables resolver sus problemas emocionales?

Happiest Season: 7/10.

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Zappa, rockstar y leyenda incansable

 Frank Zappa es probablemente uno de los músicos más geniales y extravagantes del Siglo XX, y en este nuevo documental dirigido por Alex Winter, tenemos acceso a un enorme archivo audiovisual desde sus años de juventud, hasta el final de su vida, mostrando sus éxitos, sus fracasos, su impacto e influencia, y sobre todo sus ideas, su compromiso con su concepto de libertad. 

Músico autodidácta, y con una ética de trabajo incansable, es su magnética personalidad lo que hace sumamente interesante este documental, que recorre su juventud, y nos muestra la llegada del éxito, y la creación de su banda The Mothers of Invention, que luego se convirtió en The Mothers, y como se la ingeniaron para crear nuevo material, en una carrera incansable hasta conseguir el éxito, en un momento en que el éxito significaba ser único, mantener sus principios, y hacer lo que tu corazón te decía, sin importar que no lograras vivir de ello. Zappa no se rindió.

Francamente, en una vida tan intensa como la de Zappa, el documental podría ser mucho más largo, y hay etapas de su carrera que son apenas mencionadas, y aspectos controversiales como el sexismo en sus letras, sobre el que se pasa de puntillas, pero la parte emocional, las entrevistas con sus contemporáneos, y gente que recibió influencia de él, le da valor a este interesante documental. 

Una vez, Alex Winter nos confirma su impresionante estado de forma como director de documentales, luego del éxito que resultó Showbiz Kids, y hace un par de años con su documental sobre los Panama Papers. 

Recomiendo este documental de 2 horas para conocer un poco más del hombre detrás del genio, la leyenda y sus ideales, y el impacto que aún genera Zappa. 

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Druk, el experimento del alcoholismo

Thomas Vinterberg es actualmente uno de los directores daneses más en forma, cocreador del movimiento Dogma95, y con obras como Far from the Madding Crowd, y The Hunt, vuelve con Druk, un interesante drama protagonizado por el actor danés más famoso actualmente, Mads Mikkelsen, quien da una brillante actuación como uno de los maestros que toman conscientemente la decisión de darle un giro a sus vidas e intentar salir del aburrimiento y de la monotonía de sus vidas inconsecuentes, formalizando un experimento para comprobar una seudoteoría en que se manifiesta que el ser humano tiene una deficiencia de alcohol en su sangre, y para probarlo, deciden beber en el día a día para observar los efectos de la bebida en su actividad cotidiana tanto familiar como laboral. 

Todo experimento tiene sus consecuencias, y este no es la excepción, dado el efecto negativo que pronto comienza a ocasionar en los 4 amigos, y sus dinámicas familiares y profesionales. Uno de sus puntos más altos es la actuación del grupo de amigos, que logran mostrarnos el avance y el desgaste del expetimento en ellos.  En cambio, como puntos negativos, tenemos el lento desarrollo, y la conclusión demasiado rápida. 

Básicamente habla de crisis de la mediana edad, de monotonía y de saber conocer las consecuencias de romper rutinas de forma no tan saludable. 

Es hasta tragicómico ver algunas escenas, incluso la del final con Mads Mikkelsen consumido por la más absoluta felicidad después de todo, bailando incontrolablemente, recordando su pasado antes de la actuación. 

Es absorbente, desgastante, interesante. 

Recomiendo Druk, o como le llamaron de este lado del Atlántico, "Another Round", posible nominada al Oscar a Mejor Película Internacional.

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Spontaneous, o vivir hoy

 Este año parece habernos enseñado a valorar demasiadas cosas, y entre ellas, el tiempo que dedicamos a lo que queremos o ansiamos hacer o tener. 

Es una particular coincidencia que esta película haya sido estrenada en las circunstancias actuales. 

Basada en la novela del mismo nombre, escrita por Aaron Starmer, Spontaneous es una historia de humor negro sobre adolescentes enfrentando eventos fuera de lo normal.  

En esta historia, protagonizada por la ya famosa Katherine Langford, partimos de la premisa básica de ¿Qué harías si te dieras cuenta que el momento de tu muerte puede llegar de forma aleatoria y espontánea, estés donde estés y con quien sea que estés?  En la película, jóvenes de una secundaria de una pequeña ciudad de los Estados Unidos, comienzan a explotar inesperadamente. Aparentemente todo se reduce a un grupo reducido de unas 50 personas, que luego de un tiempo son recluidas mientras el gobierno intenta averiguar qué hacer y cómo resolver la extraña situación. 

Ante el pánico generalizado, y la falta de respuestas, conocemos a Mara, una joven sin muchos amigos, cínica y que prefiere verlo todo de una forma anodina, y ante las circunstancias, se encuentra con la repentina amistad de Dylan, quién, ante los casos de jóvenes estallando de forma espontánea, se da cuenta que si cualquier día podría ser el último para él, debe hacer lo que su corazón pide, y eso es vivir, vivir hoy, con la persona que ama, que obviamente, es Mara. 

Hasta ahí es una simple comedia romántica con un telón sci fi de fondo, pero es mucho más que eso. 
Es sobre estar fuera de lugar, y sentirte atrapado, sentir que hagás lo que hagás, no hay salida. Básicamente, es en un sentido un tanto nihilístico, vivir por vivir. Nada tiene sentido, entonces, ¿porqué no intentar vivir con tranquilidad y buscando la felicidad por más extraña e inútil que sea?

La historia es interesante, los personajes son bien construídos y no hay demasiada falla en el ritmo que nos va contando cosas relevantes para comprender mejor a los personajes. 

Esta es una de las películas que es inesperadamente buena, interesante, y cuyos minutos finales, con un monólogo en la voz de Mara, sobre lo importante de vivir, a pesar de todo, recomiendo absolutamente. 

Spontaneous: 8/10. 

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Greta, y el poder de uno

 La figura de Greta Thunberg se ha erigido en un par de años, en la cara de una protesta creciente contra la inactividad de las fuerzas políticas y empresariales globales, alrededor de los peligros del cambio climático, y sus terribles consecuencias cada vez más cercanas y palpables.

I am Greta, es el nombre de este documental que nos muestra paso a paso desde el nacimiento de su protesta ante el parlamento sueco para que tomaran acción ante el cambio climático. 

El documental es bastante claro y conciso, sin tomarse demasiadas libertades ni hacer un caso por el cambio climático, más que por la tenacidad de una niña que ha sido atacada brutalmente por la opinión pública desde presidentes a empresarios, quienes dudan de sus intenciones y del origen de sus ideales. 

Lo interesante de este documental es que no toma partido, nos muestra las cosas tal y como son, e incluso se toma el tiempo de mostrar críticas a su proceder, sin mostrar las reacciones de ella a las críticas. 

Hay mucha referencia a la personalidad y mentalidad de Greta Thunberg porque el documental es sobre la persona y no sobre la causa, lo que lo vuelve tanto su virtud como su debilidad. 

Ante una de las figuras más polarizantes en las causas sociales de los últimos años, resulta un interesante ejercicio darse cuenta como las figuras más pequeñas pueden tener un impacto tan grande, aún estando pendientes de su efectividad. También podríamos analizar qué tanto impacto tienen las luchas ambientales si nacen desde lugares menos privilegiados, con personas que no tienen la misma exposición que Greta, pero de nuevo, el documental es sobre ella, no sobre su causa.

No es un documental perfecto, pero es interesante.

I am Greta: 7/10.

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Wolfwalkers, una maravilla animada

 Wolfwalkers es la más reciente producción del Director Tomm Moore, conocido por Song of the Sea y Book of Kells, esta vez para Apple TV. 

Con esta historia repite su amor por los relatos sutiles, en que la belleza técnica se conjuga perfectamente con la historia llena de matices que se encuentran inmersas en el corazón del proyecto. 

Wolfwalkers tiene varias aristas interesantes que podemos notar, comenzando desde el lenguaje sencillo para hablar de nuestro miedo inherente a lo diferente y como eso modifica nuestras relaciones sociales, así como un claro mensaje ecológico al hablar de la reducción de espacio de convivencia de las especies. Pero todo lo anterior es lo que subyace bajo la sencilla historia que nos presenta. 

En una alejada villa irlandesa, los aldeanos intentan sobrevivir tras los muros al pánico que les ocasiona una jauría de lobos salvajes que rondan el inmenso bosque, y que los atacan para robar comida entre sus rebaños. Lo que pronto aprendemos es que hay mucho más que lo que ven los ojos en la jauría de lobos. Conocemos más sobre su hogar, sus costumbres y como son perseguidos, ante lo cual viven alejados e intentan ocultarse todo lo posible. 

Los fondos, el diseño de los personajes, el desarrollo, todo es finamente hilado y producido como si se tratara de una filigrana de la más alta calidad. Hay personajes llenos de detalles y de un maravilloso trabajo de descripción, en que sabés identificarte con los personajes, sus miedos y sueños. Les juro que nunca han visto una animación tan preciosa en 2D, con todo el amor que se siente y la belleza que se percibe.

Wolfwalkers es probablemente la mejor película animada del año, y no duden que estará nominada al Oscar merecidamente, y aún podría colar su banda sonora compuesta por el increíble Bruno Coulais, además de tener una maravillosa canción de Aurora en la película. 

You're a wolf now. Be a wolf!

Wolfwalkers: 9/10. 

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Freaky, comedia de la más oscura

 Seguro todos vimos Freaky Friday, la película Disney en que Lindsay Lohan cambia de cuerpo con Jamie Lee Curtis, y nos divertimos con las situaciones. Ahora, Freaky toma este concepto, tantas veces utilizado y modificado, con un ligero twist que le da sentido a esta entretenida película que se encuentra a medio camino entre un clásico slasher ochentero y una comedia cínica de esta década. 

Protagonizada por Kathryn Newton, a quien conocemos por sus papeles en Pokemon Detective Pikachu, Blockers, y por series como Big Little Lies y The Society, y por Vince Vaughn, esta es una película que toma la idea del cambio de cuerpos y lo coloca en personajes inverosímiles, una adolescente cambia de cuerpo con el asesino serial que intenta matarla. Una interesante opción producida por Blumhouse, del director de Happy Death Day.

Freaky tiene todos los elementos de una comedia adolescente, y la sangre y el gore de los slashers clásicos, todo narrado de manera fluida y actuado de una manera correcta. No esperen más, no esperen profundidad y un mensaje en específico. Es el más puro entretenimiento, con las virtudes y defectos que este tipo de productos conllevan.

Lo mejor, las actuaciones de los personajes principales, y sobre todo de Vince Vaughn que debe actuar la mayor parte de la película como una adolescente. Es absolutamente divertido ver el cambio. 

Lo que no es tan genial, es el innecesario epílogo, aún luego de haber cerrado la trama de la forma clásica. Podría haber sido un epílogo épico, pero probablemente habría cambiado la temática de toda la trama. 

Es divertida. No esperen mucho más 

Freaky: 6.5/10. 

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Radioactive, el biopic atípico de Marie Curie

 Conoci a Marjane Sartrapi por su maravillosa novela gráfica autobiográfica Persépolis, sobre su niñez y adolescencia en Irán, y huyendo de Irán. Y conocí a Rosamund Pike gracias a Pride and Prejudice, donde era una encantadora Jane Bennett, antes de su papel más conocido, y por el cual fue multipremiada y nominad al Oscar, como Amazing Amy en Gone Girl. Y, qué combo más genial ha resultado esta dupla en este interesante biopic atípico sobre una de las figuras más grandes de la ciencia moderna, Marie Curie. 

Es un intento muy interesante, en que la biografía se estiliza con el uso de visiones del futuro, con un cúmulo de pequeñas actuaciones, incluyendo la ahora omnipresente Anya Taylor joy,  que van moldeando la película de modo que el completo vehículo para el lucimiento de Rosamund Pike funciona perfectamente. 

Artísticamente, y aún con las libertades creativas que se toma, Radioactive es una buena película. Creo sinceramente que el error es querer condensar demasiado de una interesante vida, en tan corto tiempo. Y es que el metraje no es precisamente el problema, sino el aprovechamiento del mismo, por lo que es un tema más de edición y de las intenciones de la autora. 

Hay un punto en que no se sabe si el centro de la narrativa va sobre los peligros de mercantilizar cualquier descubrimiento científico, o si va sobre la lucha de la mujer ante la adversidad, o la búsqueda del resarcimiento ante la dura naturaleza de la vida, o combatir el orgullo intrínseco en la mente de los genios. Y acaba siendo un poco de todo eso, dando demasiado en poco tiempo y a medias.  Ese es básicamente el problema de Radioactive, trata de ser una película complaciente con cualquier visión que se tenga de la vida de Marie Curie, y acaba siendo demasiado corta en todas las visiones. 

Radioactive: 7/10.

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Mank, cerrando el círculo

En 1940, un Orson Welles con cierto renombre luego de lo que hizo con War of the Worlds en la radio, comenzó la filmación de lo que resultaría ser una de las más grandes películas de la historia del cine, debido a su estilo narrativo, su edición y la genialidad de su producción. Es muy conocido que Citizen Kane está en el Top 10 de casi cualquier cinéfilo, crítico y hasta director de cine aun en la actualidad. Lo que no es conocido es el proceso de su creación. ¿Cómo puede, luego de 80 años, seguir siendo un misterio, o seguir siendo relevante ese proceso? Eso es lo que responde Mank, la más reciente de las joyas en la filmografía de David Fincher. 

En Mank, más que un biopic del coguionista de Citizen Kane, Herman Mankiewicz, se relata el proceso de creación de una obra maestra, desde el punto de vista de su guionista, así como los ideales e incluso el comentario político y la efervescencia de la época, todo condensado en poco más de 2 horas que se sienten incluso cortas.

Lo que hace que Mank funcione, y funcione de maravilla, es la genialidad de su hilo narrativo, lleno de matices elegantes y honestos, junto a los muy elaborados diálogos (vean el monólogo de las 3 reglas en MGM, una delicia), y el gran oficio de la mayoría de sus actores. En especial Gary Oldman, Charles Dance y Amanda Seyfried brillan en sus personajes, dándoles un aura con la que es sencillo empatizar y a ratos odiar, convirtiendo así a Mank en una experiencia fácil de entender y disfrutar, y adentrarnos en la conceptualización tras uno de los clásicos del cine, en una película que podría en el futuro convertirse en un clásico de pleno derecho. 

Remarcable técnica y artísticamente, Mank es una de las películas que llevan mucho peso para la temporada de premios que se avecina, y estoy seguro que la tendremos participando con nominaciones en Película, Dirección, Actor (Gary Oldman), Actriz Secundaria (Amanda Seyfried), Cinematografía, Banda Sonora, Edición, Diseño de Producción, Diseño de Vestuario  y Guión Original, siendo la rival a vencer en al menos la mitad de las 10 categorías. 

Totalmente recomendada, y disponible en Netflix. 

Mank: 9.5/10.

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Ammonite, el amor y la soledad

En 2019, Celine Sciamma estrenó una maravillosa y conmovedora historia de amor entre una pintora y la joven mujer que le han encargado pintar, en un paraje hermoso y relatado de forma íntima y preciosista. Esa película se llamaba Portrait of a Lady on Fire, una hermosa película que falló en llegar a la gran industria y sus premios mayores. Los Oscar la ignoraron completamente aunque fácil podría haber resultado nominada por su guión, maravillosa fotografía, y hasta para una de sus actuaciones. Y esa, es la razón por la cual Ammonite me parece menor. 

Ciertamente, hay muchos paralelismos entre ambas películas, desde la soledad de los personajes, el paulatino enamoramiento, y su desenlace, hasta la relación con la escenografía natural, que encierra todo en un halo de nostalgia e intimidad. Pero hablemos de sus diferencias. En Ammonite, tenemos a la pareja protagónica con la mejor actriz de su generación, Kate Winslet, 7 veces nominada al Oscar y ganadora una vez, y Saoirse Ronan, 5 veces nominada, y aún pendiente de ganarlo, aunque no tengo ninguna duda que es cuestión de un par de años. Hay muy poca química entre los personajes, y el desarrollo de su relación no es ni por cerca, ni parecido tan siquiera, al de la otra película que menciono. Todo sucede demasiado rápido, de manera simple y sin aprovechar el metraje. 

La historia es sencilla, Mary Anning es una paleontóloga empírica que se dedica con pasión a desenterrar fósiles, de ahí el título, y a venderlos a gente rica, a mediados del Siglo XIX. De esa manera, y únicamente porque necesita el dinero para mantener a su anciana madre, acoge a la geóloga Charlotte Murchison, luego que él se ve atraído por el trabajo de Anning, y decide dejarla con ella para ayudarla en su recuperación luego de enfrentar problemas emocionales. Francis Lee, el director, falla en darle la suficiente exposición a la relación emocional, y a su base, y prefiere darle minutos a la escena de sexo entre las protagonistas, que no abona demasiado a la forma deficiente en que se hila la historia. 

Si esta película sobrevive al hype académico, lo hará simplemente por su buena producción y por el innegable talento y oficio de Kate Winslet y de Saoirse Ronan, que son brillantes, aún con personajes limitados y con un guión tan deficiente. 

Ammonite: 6/10.

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Tenet, los espías del tiempo

 Nolan sería un gran director para una película de Bond, puesto que basicamente es lo que ha hecho con Tenet, una película de Bond, sin Bond. Y una buena. 

Tenet va sobre un agente de la CIA reclutado luego de una operación de rescate, debido a sus habilidades y talento. El agente, interpretado por John David Washington, y cuya identidad permanece desconocida, se vuelve parte de Tenet, una organización que se encarga de combatir desde el espionaje a organizaciones y mafias que atacan el mundo y sus libertades. Hasta ahí va bien, y claramente es una película de Bond. Bond es el personaje anónimo de Washington. 

Mucha gente podría sentir que el metraje es demasiado extenso y es lo que ocasiona cierto desdén por la película. Personalmente, creo que las 2 horas y media de metraje no son el problema, sino la forma en que se hila, puesto que en gran parte de la película hay confusiones sobre como llegaron a ese punto. Y muchas quedan sin respuesta aún después del desenlace. 

La idea central es que la organización Tenet está intentando recuperar un dispositivo por medio del cual se puede controlar e invertir el flujo del tiempo, con posibles paradojas que ponen en peligro la existencia misma del mundo y todo en él. 

El problema no es únicamente la confusión en su relato, sino la poca conexión emocional que se puede tener con los personajes. Nunca conocemos motivaciones del protagonista, nunca sabemos como inició todo. Es más probable que sintamos alguna empatía por el villano, un tanto el clásico villano Bond, pero con depresión. 

Las actuaciones son decentes, con un Robert Pattinson y un John David Washington con más tiempo en pantalla que el resto de actores, pero siempre con un halo de misterio en cuanto a sus motivaciones. Es por eso que me parece que su mayor debilidad sea el guión en sí mismo. 

En general, es un poderoso blockbuster con deficiencias en su narración, por intentar ser un producto majestuoso, aún cuando las secuencias de acción son verdaderamente geniales, sobre todo la persecución en la autopista, una de las mejores del año. Sin embargo, es probablemente de las películas más débiles en la filmografía de Christopher Nolan. 

Posibles nominaciones al Oscar: Sonido, Banda Sonora Original. 

Tenet: 7.5/10. 

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Belushi, la gloria y los excesos

 Como lo mencioné anteriormente, este año ha sido muy bueno para los documentales, y en Belushi encontramos uno narrado desde la lectura de las cartas a su esposa y su diario, así como en diversas menciones de familiares y conocidos(Harold Ramis, Carrie Fisher, Dan Aykroyd), recordando el meteórico ascenso a la fama de John Belushi, de actor de teatro cómico, a tener la película más taquillera del país, el disco número 1 del país, y ser la estrella del show número 1 del país...y aún así ser totalmente destruido por la fama, algo que solo puede pasar en el mundo del espectáculo de los Estados Unidos. 

Conocemos su éxito debido a su particular estilo de chico rudo pero al mismo tiempo que vivía con la necesidad de ser escuchado, aceptado y amado, casi como un político, con la diferencia en la creatividad y la finalidad. Belushi pensaba que estaba en su destino convertirse en una estrella, y lo consiguió, y consiguió con ello también el acceso a todo un mundo de drogas. En este documental conocemos mucho de su paso por ese mundo. 

Una de las estrellas de la primera generación de Saturday Night Live, creador de los Blues Brothers, y dueño de un talento descomunal, vemos su caótica vida y descenso a la muerte desde los ojos de Judy, su esposa, quien lo acompañó durante todo ese periplo intentando alejarlo de las drogas. 

El documental tiene mucho sentimiento y usa diferentes estilos, incluyendo la narración dramatizada de las cartas de Belushi, así como animación, para entregar un producto bien hecho y conciso sobre la fama y sus consecuencias.  Bellísima la edición para colarnos las canciones adecuadas en el momento correcto, sin olvidar la canción de los créditos, una belleza de Judy Belushi.

Ahora que está en boca de todos Maradona por su muerte y el recuerdo de su enorme talento y sus excesos, este es el documental que tienen que ver para comprender en paralelo la psique y la soledad de estos talentos. 

Belushi: 7.5/10.

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If anything happens...

 Un cortometraje necesita una fuerza en su narrativa y un mensaje tan potente, como para que en su corta duración capture no solo nuestra atención sino también nuestra conciencia y corazón. Este cortometraje de Netflix, dirigido por Michael Govier and Will McCormack, dura solo 12 minutos, pero los temas que toca son inmensamente fuertes. El dolor, la pérdida, la superación, la familia. 

Amé la musicalización, el estilo de la animación, limpio y sencillo, y la forma en que construye la historia sin necesidad de diálogos. El arte y su mensaje cumplen su propósito plenamente, con honestidad y fuerza.

Es una joya ahí entre tantas cosas que se encuentran en Netflix.  Y es una joya porque lo que representa es duro emocionalmente. ¿Qué le dirían a sus padres si están en medio de una situación extremadamente peligrosa? 

If anything happens, I love you: 8.5/10.

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Los Ofendidos siguen aquí

 La historia salvadoreña con los documentales es muy interesantes. Acá se han rodado varios últimamente sobre temáticas relativas a nuestra sociedad y sus muchas y terribles falencias y deudas. Y este, es probablemente uno de los más fuertes que he visto. 

Los Ofendidos es un proyecto muy personal de la directora, Marcela Zamora, tratando de atar cabos sobre la experiencia de los torturados durante la Guerra Civil salvadoreña que finalizó con los Acuerdos de Paz y la incorporación de las fuerzas de la guerrilla a la vida política partidaria. 

En una narrativa que recuerda mucho al fantástico filme "The Act of Killing", en que se entrevista a verdugos y explican sus métodos de tortura, concluyendo en muchos casos que solo seguían órdenes, Zamora reconstruye una etapa de nuestra historia reciente, en el que los cuerpos de represión arrestaban civiles sin ningún proceso, y la gran mayoría de los arrestados nunca volvían a aparecer. Mediante dolorosas entrevistas a víctimas de los cuerpos de represión, poco a poco vamos comprendiendo la idea del método, pero no las razones específicas. 

Quedé muy satisfecho con la forma de desarrollar el documental, aunque no tanto con la narración de Zamora, aunque es comprensible que se trataba de un tema muy personal.

El tema básico no es la tortura, es como el sistema ha perpetuado una impunidad que ha configurado a nuestra sociedad, desde el momento en que se insistió en el perdón y olvido de los crímenes de guerra.

Entre los subtemas tenemos la responsabilidad de los crímenes, dado que nadie se hace responsable bajo la idea de la obediencia, solo cumplían órdenes. Es ahí donde se puede preguntar, ¿Cuántas personas que conocemos, amigos, vecinos, compañeros de trabajo, estuvieron del lado de la tortura y no se sienten responsables de los eventos crueles de la guerra? 

¿Cuándo conoceremos la verdad como punto inicial de la justicia? 

Esa es la conclusión, llena de preguntas de este muy bien hecho documental. 

Los Ofendidos: 8/10. 

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Miss Juneteenth, Reina de todo

 Miss Juneteenth podría ser una película que suele llenar un nicho muy específico,cine afroamericano, ahora bien, eso se descarta quizás tan rápido como la escena de introducción corre, en la que se centra en un drama universal.

La historia va sobre el clásico rol que muchos padres tienen, intentar que sus hijos repitan sus éxitos, o los tengan exactamente en lo que ellos fracasaron, haciendo así que los hijos se transformen en un receptáculo de sus sueños, y también de sus frustraciones. En el caso de Miss Juneteenth, conocemos a Turquoise Jones, la ganadora de Miss Juneteenth en su juventud, intentando de todas las formas posibles que su hija sea también ganadora del certamen que celebra la festividad de la liberación, el día en que se proclamó la abolición de la esclavitud en Texas, en un momento en que un tercio de su población estaba constituida por esclavos negros. 

En esta celebración de la libertad, autodeterminación y emancipación, paradojicamente, Kai, la hija de Turquoise se encuentra entre seguir sus propios sueños, es decir buscar su autodeterminación, y seguir los sueños de su madre, mismos que ella dejó ir debido al embarazo que dio origen a Kai. 

La relación tirante entre ellas nunca deja de ser amistosa y hay un crecimiento y desarrollo no solo en la vida personal de Turquoise, sino en su hija, y es eso lo que mueve la historia, pasando de la codependencia a la complicidad. 

Las actuaciones son básicas en su mayoría, con un punto aparte para Nicole Beharie, quien hace un gran papel como la madre en problemas, intentando salir adelante, y cumplir sus sueños a través de su hija. 

Es esta otra película que pasó desapercibida debido a la pandemia, pero que recomiendo por su intimismo y honestidad. 

Miss Juneteenth: 6.5/10.

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Kajillionaire, las formas de la miseria

En ocasiones, la miseria viene de dentro, nace de la circunstancia, del desarrollo o la falta de él. A veces, simplemente es la forma en que las relaciones han sido siempre y la nula sensación o necesidad de cambio. 

En esta, la tercera película de Miranda July, una sensación en Sundance, se resume fácilmente la consecuencia emocional del abandono y de la negligencia. 

Kajillionaire nos habla de una familia disfuncional de estafadores de poca monta que hacen todo lo posible por sobrevivir con el mínimo esfuerzo y dinero, considerando a los que viven trabajando arduamente como Kajillionaires, enganchados con el sistema, según los delirios conspiranoicos del padre de la familia.  

Una brillante Evan Rachel Wood es la protagonista de la historia como Old Dolio, quien funge como un compinche más del grupo de estafadores, y nada como la hija de sus padres, quienes la tratan de forma despectiva. Es tan irónico lo poco que significa para sus padres, que la anécdota del origen de su nombre lo explica todo. 

El centro de la historia es sobre el grupo de estafadores buscando cubrir una deuda, y uniéndose inesperadamente a un personaje que aparece aleatoriamente, pero que resulta fascinado por su estilo de vida, decidiendo apoyarlos, más que todo para apoyar a Old Dolio. 

La película tiene un ritmo interesante, imágenes y metáforas bellísimas, como la de los temblores y la espera del final, así como secuencias profundas, como la de la visita al anciano.

 Es precisamente ese cúmulo de buenas secuencias, y el gran atino del guión de recorrer lentamente por diversos géneros, tanto comedia negra, drama familiar, romance y cine de robos, lo que hace funcionar esta película de forma tan precisa. 

Vale la pena ver esta película, por su historia y desarrollo.

Lo único que sentí es que hay momentos en que la actuación sosa de la protagonista parece ir demasiado lejos, pero en general funciona. 

Kajillionaire: 7/10.

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Host, la reinvención del terror

 La pandemia lo cambió todo, y eso es lo esperado. En la nueva realidad, hasta el oficio de hacer películas cambió, y las temáticas se adaptaron. Aunque no es la primera vez que se hace esta premisa, su efectividad esta vez solo se incrementó bajo las circunstancias. 

Para comenzar, en Host, tenemos a un grupo de amigos que quieren experimentar una sesión de espiritismo vía zoom debido a la cuarentena por Covid19, para lo que contratan a una especie de medium. El grupo comienza a experimentar, y hasta a burlarse, con terribles consecuencias para cada uno. 

En esta propuesta, más un mediometraje que un largo, con 55 minutos de duración, la premisa es sencilla y el hilo narrativo básico. Las actuaciones no son sobresalientes, y lo que se puede mencionar, es que los efectos parecen bien logrados. Es una producción austera y sin muchas ambiciones, para el servicio de streaming Shrudder, dirigida y actuada de forma remota, con un trabajo de edición interesante aunque no genial. 

Si buscan un buen producto realizado durante y debido al confinamiento, Host es una gran opción. 

Si buscan la película que revolucionará el género de terror, no es precisamente esta la película, aunque no duden que Rob Savage conseguirá presupuesto y oportunidades para dirigir buenas historias luego de la positiva recepción que tuvo esta película con el público. 

Host: 6/10.

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Greenland, y el enésimo fin del mundo

 Cada cierto tiempo se vuelve a poner de moda el cine de catástrofe, que comenzó hace décadas con las invasiones extraterrestres, y que tan rentables fueron a partir de los 90 con la llegada de Independence Day, Godzilla, Deep Impact, Armaggedon y toda esa plétora de películas en las que, en su mayoría sobrevivíamos. Normalmente coincide con algún momento de la historia que por pura escatología estamos convencidos que es una posibilidad de fin del mundo. Lo más reciente fue el fin del mundo pronosticado por los mayas, en 2012, en la película homónima. Y Greenland es una de esas películas de catástrofes, en las que, aunque la trama suena repetitiva, y hasta cierto punto inverosímil, es la parte centrada en las familias lo que le da cierto valor. 

Greenland nos cuenta la historia de John Garrity, quien decide ver con su familia y vecinos, mientras por televisión se transmite el paso de restos del meteorito llamado Clarke, que se desintegrará al entrar en la atmósfera terrestre. Lo que nadie pudo predecir, es que Clarke viene acompañado de cientos de fragmentos de diferentes tamaños, incluido uno que podría representar la extinción de la humanidad. 

Aunque de ahí en adelante la acción es frenética y efectiva, es el drama de la familia, intentando encontrar refugio para sobrevivir, o al menos hacer el intento, lo que le da un poco de sabor a la película. Aparentemente, el gobierno selecciona gente para ser resguardada de acuerdo a sus habilidades o lo que podrían aportar en la reconstrucción de la humanidad. Joh es seleccionado, pero ocurren giros que cambian el proceso y es rechazado. La gente hace lo que sea por sobrevivir, incluso ignorar sus valores y principios, y eso parece ser un retrato de las sociedades individualistas 

Las actuaciones cumplen pero no son remarcables, y la película se luce más por el desarrollo de los personajes y de sus historias, y no tanto por el gráfico y morboso fin de la civilización que solemos ver. 

Aunque no es una fórmula nueva, la película acaba siendo cuando menos interesante, y entretenida. 

Lo mejor, el desarrollo de los personajes y los puntos de vista. 

Lo que menos me gustó, las situaciones sin mucho sentido,casi al final. 

Greenland: 6.5/10.

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La vita davanti a sé, emocionalmente retadora

 La vita davanti a sé, se basa en la novela de Romain Gary del mismo nombre, que ya fue llevada al cine en 1977 bajo el título de Madame Rosa, protagonizada por Simone Signoret, y que representó a Francia en los Oscar de 1980, contienda de la que resultó vencedora. Estamos así ante un remake en toda regla. ¿Qué de nuevo podría aportar esta versión producida para Netflix?  Fácil, Sophia Loren en un papel a medida para salir de su autoimpuesto retiro. 

Dirigida por Edoardo Ponti, el mismo hijo de Sophia Loren, esta historia podría enmarcarse en ese género de drama totalmente lacrimógeno. Y aunque sea cierto, esta vez es totalmente refrendado por una actuación excelsa de la ya oscarizada Loren en el papel de Rosa.

Es precisamente el oficio de Loren y lo fácil que entra en su papel el joven Momo, lo que hace que la película funcione con una dinámica de intercambios entre ellos, que se van incrementando constantemente, hasta el golpe emocional al final de la película. 

Básicamente, la historia habla de una anciana sobreviviente de los campos de concentración nazis, que luego se dedicó a la prostitución, y conforme fue envejeciendo, su oficio se convirtió en el cuido y la crianza de hijos de prostitutas, por lo que se vuelve conocida en el barrio. Luego conocemos a Momo, un niño senegalés que ha quedado huérfano, y que vive con un tutor asignado, que simplemente no puede cuidarlo porque no sabe como acercarse al huraño y abandonado Momo. Momo es luego entregado a Madame Rosa, en un giro de eventos que abren terreno a la dinámica de amistad, comprensión y acompañamiento de soledades entre ellos. Es precisamente esa parte la que es dura de ver. Quedan advertidos. 

Lo que más me gustó, el simbolismo de la leona que ve Momo, y lo que significa, lo que logra al final, cuando por fin, Momo ha encontrado el calor. El amor. 

Lo que menos me gustó, la forma en que se desenvuelve la subtrama de Momo ganándose la vida vendiendo drogas. Se siente innecesaria y hasta sin sentido en la lógica de la película. 

La vita davanti a sé: 8/10.

Posibles nominaciones al Oscar: Actriz, Canción y Película Internacional (De ser la película seleccionada por Italia). 

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