Little Fish, nuestras memorias, nuestro amor

 El cine de ciencia ficción suele ser lo más futurista y moderno posible para mostrarnos a veces lo oscuro de la teconología, las consecuencias éticas, etc. Pero en algunas ocasiones, entran en temas que van más hacia adentro, hacia la mente y emociones de sus personajes. Little Fish es una de esas ocasiones. 

Hace más de 15 años, Eternal sunshine of the spotless mind nos mostró la posibilidad de elegir borrar memorias para poder seguir adelante con tu vida. Olvidabas todo lo que te causó dolor, aún sin pensar si la otra persona querrá o no olvidarte. Era un drama romántico con tintes de ciencia ficción. Esta vez la pregunta que se nos hace es, ¿qué tal si no es un tema de decisión? , ¿qué tal si el olvido es una condición médica ante la cual no es posible hacer nada? ¿cómo enfrentarlo?

Little Fish responde a todas las preguntas anteriores con una historia de amor directa, sensible sin ser cursi, emocionalmente abrumadora, y que rehuye de los clichés para mostrar la angustia de conocer que el amor, a veces no será suficiente. 

Con otra vibrante actuación de Olivia Cooke, quien en su papel de Emma intenta hacer todo lo posible por ayudar a su esposo, Jude, a mantener su memoria lo más intacta posible, porque, como dice Emma, "Cómo puedo pensar en nuestro futuro si debo vivir reconstruyendo nuestro pasado". Es dolorosa, enternecedora en muchos momentos. Las actuaciones de ella y de Jack O Connel como Jude, son brillantes, e incluso las secundarias, de Soko y Raúl Castillo, la pareja de amigos de Jude, que también pasan por la misma situación, son dolorosamente necesarias. 

El uso de los flashbacks, los engaños de la edición para convencerte de la linealidad de la información que te comparten es genial. Todo se cierra de una forma impresionante. 

Esta es una película que debería tener la máxima repercusión posible. 

En tiempos de una pandemia que afecta mortalmente a tantisima gente, la sola idea de una pandemia de pérdida de memorias lo hace todo atronadoramente urgente. Te replanteás lo válido de seguir, la necesidad de la fuerza. 

Con una banda sonora preciosa, Little Fish consigue ser un retrato amargo de la impermanencia de la vida, de las emociones, que rebasa cualquier lentitud en su narración con las sensaciones que te provoca. 

Little Fish: 8.5/10. 

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Dear Comrades, la responsabilidad de la lucha

 El cine ruso suele ser contemplativo y al mismo tiempo visceral, y esta película, en la lista corta para el Oscar 2021 a Mejor Película Internacional, parece llenar ambas casillas de forma mesurada y emocionalmente contundente. 

Dear Comrades nos habla de la conciencia colectiva ante el poder, y de la fuerza de la perseverancia,cuando es necesario poco a poco dejar ir, en el entramado político de la coyuntura soviética de los sesentas. 

Filmada en un hermoso blanco y negro que no hace más que incrementar el contraste artístico con la narración que tan intervinculada está, la historia nos habla de puntos intensos de la historia de la Unión Soviética, y de las protestas y la forma institucionalizada de acallar críticas.

 Lyudmila es una burócrata y férrea comunista de una pequeña ciudad al sur de la Unión Soviética en la cual está instalada una fábrica de materia prima para transportes eléctricos, en una coyuntura en que, recién saliendo del totalitarismo más macabro y mezquino de Stalin, la economía soviética mostraba señales de afectar a la población, sobre todo en el aumento de los precios de los alimentos, que, aunado a los incrementos en la producción requerida a los empleados de la fábrica, generó suficiente descontento para protestas populares durante semanas. Svetka, la hija de Lyudmila, es una joven que, si bien cree en el ideal comunista, tiene muchas críticas a la forma en que Stalin dirigió el estado, y ahora, bajo el mando de Kruschev, confía que el ideal proletario siempre puede manifestarse libremente para obtener lo que necesita, y, de esa manera, se une a las protestas. 

Cuando el gobierno se ve sobrepasado por la ira popular, llega la ayuda del gobierno central, mediante la cual se desata un infierno para la pequeña ciudad, que pone en riesgo a todos, y genera desaparecidos, que, casi significan una sola cosa. 

La búsqueda desesperada por Svetka, sin temor a correr graves consecuencias en su carrera dentro de la burocracia gubernamental, es la base de esta historia, y como,poco a poco, Lyudmila comienza a ver más allá, y a responsabilizar su propia visión burócrata, y lo peligroso que es para aquellos que se expresan libremente. 

En una temática que quizás de forma somera recuerde el reciente hit de HBO, Chernobil, Dear Comrades habla sobre hasta donde está dispuesto a llegar un gobierno para encubrir sus deficiencias, que son naturales y que tienen formas de solucionarse, sin llegar a medios violentos o de ineptitud.

Camaradas es un término hasta sublime en los ideales, por lo que la secuencia en que Lyudmila canta su canción sobre los camaradas, se vuelve una forma de aceptación personal, de la estructura vertical de poder que ha ocasionado el problema en general. 

Poderosa actuación de Julia Vysotskaya, en su papel de Lyudmila, que nos da una mirada precautoria a lo que puede ocasionar el poder, y a la aceptación de ser un engranaje más en una maquinaria bien engrasada y que toma la decisión de no aceptar cuestionamientos. 

"If I don't believe in communism, in what am I going to believe?"

Andrei Konchalovsky hace un gran trabajo y es claramente, toda una institución en el cine europeo, y quien debería tener todo el reconocimiento posible. 

Dear Comrades, recomendada completamente, y muy posiblemente nominada al Oscar el próximo mes. 8/10.

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Judas and the black messiah, una historia de lucha y traición

 Durante la era de la lucha de los movimientos por los derechos civiles, que aglutinó a grandes colectivos afroamericanos que buscaban el reconocimiento completo de sus derechos, surgieron diversos líderes, entre ellos Martin Luther King, Malcolm X, Bobby Seale, y Fre Hampton. Curiosamente, 2020 es el año en que se han mostrado aspectos de las vidas de cada uno de ellos en diferentes películas. King, en el documental MLK /FBI, Malcolm X en One night in Miami, Bobby Seale en The Trial of the Chicago 7, y esta vez, en un pequeño aproximamiento de biopic, Fred Hampton, el líder del capítulo de Chicago de los Black Panthers.

Pero esta no es una historia de lucha simplemente, sino de infiltración y traición. 

En esta historia, dirigida por Shaka King, el nominado al Oscar Daniel Kaluuya interpreta a Hampton, demostrando la entereza y convicción que lo hacían formar parte de la lucha de las juventudes afroamericanas por un futuro, un mundo mejor para los suyos,la lucha antisistema, anti capitalismo y anti estado por parte de los jóvenes. 

La trama de esta película, que no toma en cuenta más que una fracción de la vida de Hampton, es la conspiración sencilla en que el FBI buscaba aniquilar todo liderazgo de los movimientos sociales, de una forma u otra, y como para ello se valieron de infiltrados dentro de los mismos movimientos sociales. 

Con actuaciones sensacionales de Daniel Kaluuya, que tendrá una segura nominación y estará entre los más cercanos candidatos a ganar el Oscar, y de Lakeith Stanfield, hoy por hoy uno de los mejores actores afroamericanos, y uno de los más menospreciados, y que también podría reusltar nominado, esta película confluye de forma exquisita entre la importancia de la acción y las emociones de los personajes. 

Hampton es una figura que puede ser fácilmente radicalizada, pero la película consigue hacerlo lo más cercano posible y empatizar con él, de modo que la historia va tomando tintes dramáticos. Evidentemente está basada en hechos reales. 

Estas es en esencia una de esas películas en que su argumento se convierte en un electrizante relato de la lucha contra la injusticia y los peligros que esto acarrea. Provocativa, trágica y al mismo tiempo necesaria. 

Judas and the black messiah: 8/10. 

Posibles nominaciones al Oscar: Película, Actor de Reparto, Fotografía, Canción y Montaje. 

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One night in Miami, el épico encuentro de leyendas

 En una fantástica e inolvidable noche de Febrero de 1964, en una de las eras más convulsas de los Estados Unidos, cuando la lucha por los derechos civiles, y la oposición contra la participación en el conflicto de Vietnam eran lo que estaba en boca de todo el mundo, y que repercutía en el día a día de una sociedad cansada de sus grupos de poder y de la exclusión, 4 leyendas, que casi no sabían que lo eran, se reunieron para una charla amena que en teoría sería una celebración.

Las 4 leyendas eran Cassius Clay, en la noche que venció a Sonny Liston y se convirtió en Campeón Mundial de Pesos Pesados, Sam Cooke, quien ya era una figura destacada en la música popular de la época, Jim Brown, quien se estaba forjando una gran carrera en la NFL,llena de récords, y quien luego se convertiría en un actor reconocido, y Malcolm X, el famoso activista de los derechos civiles que estaba en una coyuntura complicada mientras decidía su separación de la Nación del Islam, la iglesia a la que se había adherido mientras estaba en prisión, a sus 25 años.  Estas 4 figuras gigantes que representaban a los afroamericanos de la época, tienen una noche de reflexiones y acusaciones sobre la pureza de sus principios y acciones.

Basada en una obra teatral, este debut de Regina King como directora nos muestra un manejo magistral de los tiempos y de la narrativa, así como una sensacional colección de actuaciones, sobre todo de Kingsley Ben Adir en el papel del atribulado Malcolm X, y Leslie Odom Jr en una gran actuación como Sam Cooke. 

Es entonces una película interesantísima para comprender la intensidad de la época y de las situaciones que atravesaban los personajes, tan reales como cualquiera. 

No hay gran acción, pero hay intercambios de diálogo que son brillantes, y que se entregan a la audiencia de forma simple y directa. Jamás se siente que sea una película larguísima o que trate de evangelizar sobre los personajes, que son mostrados en toda su humanidad. 

Creo seriamente que esta película no ganará los premios a los que se le nominará, pero sin ninguna duda, será  sus nominaciones al Oscar un reconocimiento para el gran trabajo de King en su debut. Véanla ya, disponible en Amazon Prime.

Posibles nominaciones: Mejor Película, Mejor Dirección, Actor de Reparto, Guión Adaptado y Canción. 

One night in Miami: 7.5/10.

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Pixie: clásico cine de gangsters en clave de comedia

 Hacer cine negro en clave de comedia es todo un arte, y hacerlo de forma independiente, ambientada en la época actual, y combinar risa con tantas balas como las que se disparan en John Wick en cualquiera de sus iteraciones, es todo un reto. 

Pixie, con todo y sus falencias que no son pocas, logra darnos un buen rato de entretenimiento, más que todo por la increíble presencia cómica y dramática de su protagonista. 

Olivia Cooke es Pixie, la hija adoptiva de un gangster de una pequeña ciudad irlandesa en la que los negocios de drogas se llevan de la mano con la iglesia. 

Las secuencias de acción son intensamente divertidas, así como los momentos de tensión en los que sabés que todo al final saldrá bien. Todo funciona únicamente por la sensación de diversión constante que hay en la historia, más que por la mediocre narración. Esta sencillamente no es una película que ganará premios, definitivamente. Pero es una película fácil de ver y de disfrutar. 

La historia es sencilla, Pixie decide huir de su pueblo dejando atrás a su familia de gangsters, haciéndoles una estafa, para lo cuál se une a un par de amigos, uno de los cuales busca ser su pareja. De ahí en adelante todo se desenreda en una vorágine de sangre, muerte, y muchas secuencias hilarantes. El villano es un sacerdote narco interpretado por Alec Baldwin, qué más pueden esperar?

Sin demasiados spoilers, el trío de protagonistas casi, casi logra su objetivo. Hay traiciones, manipulaciones, estafas, y la comedia más negra que pueden esperar. 

En fin, recomiendo Pixie, que aunque no es perfecta, es totalmente disfrutable. Olivia Cooke es una estrella de pleno derecho.

Pixie: 6.5/10

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Saint Maud, el terror que llevamos dentro

¿Hasta qué nivel es un problema la obsesión con la búsqueda de la pureza mediante la religión?

Esa parece ser la premisa básica sobre la que se contruye este estéticamente placentero filme de terror psicólogico. 

La temática no es tan compleja como aparenta, puesto que básicamente conocemos al personaje protagónico, Maud, la joven que trabaja cuidando de forma privada a enfermos terminales, mientras su fanatismo religioso interiorizado, como una forma de expiar viejas culpas, la obliga a buscar no solo cuidar de las personas sino de sus almas. 

En uno de los debuts más interesantes de los últimos años, Rose Glass presenta de forma bella y cuidadosa, el costo que mentalmente puede tomar en la gente sus creencias y su disociación con la realidad. 

Ciertamente hay temas que no acaban de funcionar, como el lentísimo hilo narrativo y los momentos que parecen no terminar de encajar, como la amiga que se reencuentra con ella, y el momento de retornar a casa de Amanda.

La actuación de Morfydd Clark es sensacional, con esa mezcla de inocencia y de fanatismo religioso, mediante el que se esconde un nido de arrepentimientos sobre su pasado, y su fantasía de hablar directamente con dios. Su rango como actriz es maravilloso, conocemos su amor, su dolor, su remordimiento, su pena y su búsqueda por el extasis religioso. 

Es la actuación junto al siniestro estilo de la musicalización, y el apropiado uso de locaciones de la película lo que la eleva más allá de sus fallas en la lentitud de la narrativa y de sus vacíos de guión, que no son precisamente trascendentales para comprender el objetivo de la película, contar una historia de arrepentimientos y búsqueda de redención, de una forma terrorífica.

Saint Maud es uno más de los filmes producidos por A24 que demuestran cuán en forma se encuentran como productora de películas que se clavan en tu psique y te hacen pensar, mientras te transmiten imágenes aterradoras y preciosas por igual, lo que queda claro con la maravillosa secuencia final.

Saint Maud: 7/10.

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Time, una historia de lucha y consecuencias

Cada acto humano tiene consecuencias, y esa claridad es lo que nos permite discernir nuestros actos. Esta historia es sobre las consecuencias de nuestros actos, y cuanto cuesta tratar siquiera de revertir el error, y todo el daño que ocasiona en los demás. 

En Time, el documental en cuestión, se nos presenta la vida de Fox Rich, una joven emprendedora que ha dedicado alrededor de 20 años en su lucha para liberar a su esposo, Rob Rich, condenado a 60 años de prisión por un robo que ambos cometieron en un momento de crisis económica en el que intentaban salir a flote con un negocio que estaba sucumbiendo. 

Ese error, que probablemente le suene circunstancial a muchos, ocasionó una vorágine de cambios, desde la lucha por sobrevivir de una madre y sus hijos, hasta convertirse en activista y emprendedora exitosa. 

Si hay algo que siempre le resta puntos para un documental, es cuando claramente cuenta solo una versión de la historia. Y lastimosamente, este es el caso de Time, en que si, te cuentan las vicisitudes de una familia intentando salir adelante y buscar un espacio para el perdón y liberación del padre, pero falla en mostrar el lado de las investigaciones, los antecedentes de violencia y la poca disposición a aceptar responsabilidades. 

Lo positivo, es que entre todo lo que si se muestra, está la unidad en el dolor, la belleza de la búsqueda de estar juntos, y como el sistema carcelario influye en la vida de muchas más personas de lo que parece. Esta es una historia con un resultado positivo, pero el sistema carcelario, con una predisposición a veces de clase, a veces racista, influye en las vidas de las familias de los convictos, muchas veces de forma decisiva, perpetuando al mismo sistema. 

En materia de storytelling, el director consigue hilar de forma profunda las consecuencias de sus actos en la vida de la familia, utilizando imágenes íntimas, en un relato de amor y perdón. 

Definitivamente lo importante es el mensaje, no rendirse, seguir. Y es ese mensaje el que hace válido este documental, aún cuando esté tan cargado hacia un solo lado. Véanlo en Amazon. Posible nominación al Oscar a mejor Documental.

Time: 7/10. 

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De naturaleza Imperdonable

Vivir en sociedades como la nuestra te vuelve duro. Sobrevivir te vuelve duro. Es una exigencia, enfrentar nuestros más oscuros secretos, nuestros más dolorosos recuerdos,vivencias y cotidianedades, con la reacción violenta que se construye luego de haberlo soportado todo, de haberlo sobrevivido todo. Marlen Viñayo, consigue adentrarse en uno de esos espacios que concentra mucho de lo que representa nuestras sociedades, y lo hace sin aferrarse al dolor, sino más bien poniendo frente a nuestros ojos nuestras dualidades, y poniendo a prueba nuestros preconceptos más duros. 

Imperdonable, que ha hecho ya un bastante fructifero recorrido en el circuito de festivales de documentales alrededor del mundo, consiguiendo la atención incluso del ganador del Oscar, Barry Jenkins,es precisamente una muestra directa y a la yugular, de nuestra realidad compleja y contradictoria. 

Este documental de poco más de media hora, se destaca precisamente por lo que insiste en mostrar, más que su estructura y su realización técnica, un compendio de temas que enmarcan de forma fascinante lo que nos tiene en este embrollo social que a veces puede parecer infinito y agotador.

En solo 35 minutos, conocemos la historia de privados de libertad, condenados por fechorías gravísimas ante la sociedad, que se sienten tan o más juzgados por su orientación sexual que por sus múltiples crímenes. Y es que Viñayo jamás le huye a mostrar la naturaleza violenta de los protagonistas, es más desde los primeros compases conocemos los crímenes narrados directamente por ellos, en una guerra informal en la que tomaron parte como fruto de una sociedad resquebrajada y excluyente, en la cual la pandilla pareció ser una de sus pocas vías de escape, un escape que saben, les trajo un precio a veces impagable, y jamás el documental intenta justificar sus actos. 

Los seres humanos somos complejos, y eso no es ninguna novedad; La novedad es que los preconceptos de seres sin sentimientos, a los que la sociedad quisiera encerrar en una isla y lanzarles una bomba atómica bajo la premisa de "Muerto el perro se acabó la rabia", todo ese preconcepto, se llena de aristas que no son comunes para el espectador. El amor, la ternura, el miedo, la necesidad de ser libres, para ellos,por ellos,ahí, siempre presos, pero libres de expresarse.

Luego tenemos la temática de la visión religiosa, en la que nuestras sociedades conservadoras han implantado una visión dogmática de lo que debemos sentir. Esa parte honestamente me quebró. ¿Cómo podés sentir miedo que el dios en que creés no te va a aceptar por quien has decidido amar?  Ser homosexual, tener su decisión ante el mundo, es algo que ni siquiera sus familias, las que los aman a pesar de su involucramiento en crímenes atroces, jamás aceptarían. 

En un fragmento, el pastor de la iglesia cristiana les dice a medio culto, que dios les dará una nueva oportunidad, que los limpiará, que solo deben creer, dejar de lado sus pecados y arrepentirse seriamente. Pero, ¿en serio nuestra sociedad les perdonará sus pecados?, ¿En serio tendrán una nueva oportunidad?

Este documental, me ha dejado profundamente triste. Es una experiencia que quizás no resulte reveladora,y que a mucha gente le moleste porque humaniza a quienes socialmente dicen que no deberían humanizar. Y eso habla mal de una sociedad que está repleta de culpas y escasa hasta el cansancio de perdón, de sanar mentalmente. 

En serio espero que en las próximas semanas, puesto que ya se está votando en la academia, este documental esté seleccionado en la lista corta y luego entre en la lista de nominados al Oscar, porque es apabullante el efecto de este espejo de nuestra sociedad, con sus matices, dolores y odios, en la comprensión de lo que nos hemos convertido. 

Imperdonable:8.5/10

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