The Suicide Squad: Sangre, violencia y color

 Ya una vez nos habían intentado mostrar a este equipo de desadaptados sociales salvando al mundo de un mal más grande,y habían fracasado por la falta de cohesión y una edición pésima. Esta vez, y dirigida por una de las primadonnas de Marvel, James Gunn, esta nueva versión del Escuadrón Suicida consigue con la misma dosis de sarcasmo, con mucha más sangre, visualmente superior y sobre todo fácil de disfrutar. 

Gunn tiene éxito aprovechando a un equipo de personajes dentro de una historia que nunca acaba de tomarse en serio.Comenzás a ver la película y sabés que se trata de dos horas de acción, comedia y efectos visuales, sin demasiado contenido. No hay un crecimiento de personajes, no hay moraleja, no hay nada. Hay, eso si, mucho entretenimiento. Y hablando de lo que si se sobreanaliza la película podemos encontrar, hay muuucho subtexto. 

La historia nos habla de un país latinoamericano empobrecido, bajo el régimen de una dictadura que recién ha derrocado a la anterior, y que, en alguna forma le genera problemas a los Estados Unidos, por lo que deciden intervenir en aras de conseguir el control de un extraño proyecto secreto en la isla. A todas luces la inspiración grita "Cuba" por todo lo alto. Luego descubrimos que los mismos Estados Unidos tenían participación en el ultra secreto proyecto que busca volver un arma a una entidad alienígena, a la cual puedan controlar para sus oscuros objetivos. 

Desde el principio sabemos que la película es un completo chiste del humor más negro, cuando conocemos la existencia del equipo A y el equipo B, uno de los cuales ha sido lanzado a la pelea únicamente como una distracción. 

Definitivamente,y amén de las diferencias con las personalidades de los personajes con sus contrapartes del cómic, es un proyecto mucho más logrado que Suicide Squad en su iteración anterior. Los personajes son en general planos pero funcionan para las acciones que requiere la película para ir adelante, a excepción de los personajes con mayor tiempo en pantalla y con una historia que entretiene y nos hace conocerlos más, como Ratcatcher y Peacemaker, que básicamente engloba la visión de los Estados Unidos para el mundo. 

En fin, entretenida hasta donde puede, con acción interesante muy bien ejecutada, recomiendo desconectarse de la vida dos horas y que vean The Suicide Squad, disponible en HBOMax. 

The Suicide Squad: 6.5/10

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How it ends: reencontrarse en el apocalipsis

Zoey Lister Jones produce, escribe, dirige y protagoniza esta serie de pequeños actos que tienen como trasfondo el fin del mundo, en que, a pesar de tratarse de una historia de apocalipsis, nos hace enfocarnos en el reencuentro personal, en la búsqueda de respuestas cuando ya no cabe tiempo de hacerse más preguntas. 

Y definitivamente, hay historias apocalípticas mucho más intensas, pero eso no le resta un ápice a la creatividad de esta historia, con una premisa muy compleja e interesante. 

Conocemos la historia de Liza, una chica en sus 30, que enfrenta en soledad el fin del mundo, mientras todos lo afrontan tratando de disfrutar sus últimas horas, drogándose o ahogándose en recuerdos. 

Con esa premisa de fondo, Liza, acompañada de su yo juvenil interpretado por la genial Cailee Spaeny, busca encontrar un final hedonista, y en el camino se da cuenta que debe cerrar muchos círculos, buscando a sus padres, a sus anteriores parejas sentimentales, y a todo aquel con quien sienta que debe dejar las cosas en paz. Vemos infinidad de cameos que solo añaden a la película, como Olivia Wilde, Charlie Day, y una secuencia bellísima con Sharon Van Etten, con un pequeño número musical incluido en el que vemos que existe rango en las protagonistas. 

Puede que el argumento tenga fallas al sentirse bastante fragmentado para el avance de la trama, perdiendo cohesión, y por un momento hacernos pensar que al final nada de lo que sucede antes de llegar al final tiene sentido, aunque finalmente lo hace, pero eso no le resta a la creatividad. Creo que muchas veces este tipo de producciones ganan por su honestidad. Son historias sinceras que no requieren seguir y cumplir todas las reglas del libro para hacerte sentir algo, y ese algo en esta película es la búsqueda de la aceptación de sí mismo y el perdón de sí mismo. De pensar que puede que estés en el final de tu vida y necesités reafirmarte: You do count. 

Recomiendo How it ends, una de las sensaciones en Sundance, producida por MGM antes de su compra por Amazon, aunque parezca aburrida o que no lleva la trama a ningún lado. Piénsenla como un ejercicio de comedia dramática con mucha inventiva. 

Estoy muy dispuesto a ver una nueva producción de Zoey Lister Jones. Sin duda. 

How it ends: 6.5/10. 

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Space Jam: A new legacy, tan innecesaria como olvidable

 Cada cierto tiempo nos toca un remake que nadie pidió, y que parece solo confirmar que la industria ama demasiado el reciclaje de ideas. Y claro, es atacar directamente nuestra nostalgia, pero no es como que la película de la que se hace el remake, en este caso, haya sido tan genial tampoco. 

La película lo sabe y se burla de eso. Space Jam es una idea terrible, que llegó a producción porque funciona como un enorme comercial de productos de Warner, y como un gran esfuerzo de relaciones públicas para un Lebron James que vive intentando que su papel en la historia del baloncesto deje de estar un peldaño abajo de Michael Jordan, lo que en esta historia, no consigue ni de lejos. 

Y es que las actuaciones en esta película son en general muy malas, incluso un terrible papel para Don Cheadle, un actor nominado al Oscar que se ve reducido a un villano patético y olvidable, y cameos que resultan apenas graciosos. Por otro lado, Lebron James demostró que como actor es un gran jugador de baloncesto. Poco más.

En cuanto al argumento, es más que obvio que a la hora de llevar a tu familia a ver la Space Jam 2, viene siendo lo de menos, y aún, se esfuerzan de forma simplona hacerlo parecer como una película que te hará enfocarte en la importancia de la familia, de escuchar y entender. Pero eso en general funciona durante unos minutos. El resto se resuelve como este tipo de películas. Las familias se unen, todos aprenden que se equivocan y son felices al final. Todo dentro de una fórmula fácil. No hay nada ni interesante ni nuevo. Nunca volvería a ver esta película. 

Sin embargo, hay un pequeño resquicio, un pequeño detalle destacable. Y es el arco dramático que le dan a la historia de Bugs como líder de los Looney Tunes. Nos muestran un mundo, el Mediaverse, en que se conjugan todas las propiedades de Warner, vemos el mundo de DC, el mundo Matrix, el mundo Harry Potter, etc, y todos los amigos de Bugs han abandonado el Tunes world con la oferta de recrear nuevas historias en diferentes mundos. Bugs es el único que se ha quedado en el mundo Tunes. Y es esa, la búsqueda por reunirse de nuevo con sus amigos lo que le da sentido a la película, mucho más allá de la historia del juego de baloncesto más aburrido de la historia. 

En fin, sin mucho más que verle de positivo a la película, más allá de esa parte del guion, el trabajo en la animación y nada más, esta película debe verse para desperdiciar dos horas. 

Space Jam 2: A new legacy: 5/10. 

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Pig, la búsqueda de Nicolas Cage por un propósito

 La carrera de Nicolas Cage está plagada de fracasos y de proyectos extraños, pero últimamente estamos viendo una seguidilla de proyectos interesantes que de alguna manera explotan el talento de Cage para personajes que afrontan traumas del pasado. Pig, es uno de esos proyectos. 

Pig es una historia que pinta sencilla. Un viejo chef retirado, que perdió a su esposa y vive en forma casi ermitaña, se gana la vida recolectando y vendiendo trufas a un joven, interpretado por Alex Wolff que las ofrece a restaurantes en los que se preparan platillos de alta cocina, y para ello, tiene como única posesión, y quizás único amigo, a su pequeño cerdo. La forma en que se desencadena la trama es cuando su necesario y querido cerdo buscatrufas es robado, y Rob, el personaje de Cage, se embarca en una búsqueda a lo Taken, para encontrar su cerdo robado y hacer pagar a quienes se lo robaron. 

Pero esta no es esa historia y nada más. El subtexto es mucho más profundo, mostrándonos a un Rob que aún sufre la pérdida de su esposa, y la salida de su mundo como chef, haciendo lo que amaba. Es un caso de duelo, y superación, de búsqueda interna y de aceptación de las circunstancias. 

Es la honestidad, crudeza emocional, y sinceridad, la que logra que esta pequeña película nos haga empatizar con Rob, y eso se debe en parte a la actuación contenida y directa de Cage, pero también al ritmo que va generando la dirección de Michael Sarnoski, en este su debut. 

Definitivamente Pig no es la película sencilla que podríamos esperar. Hay un enorme cuidado en el detalle a la hora de mostrar platillos, el styling y la producción artística está en su punto. Y en los créditos me pareció incluso un justo y merecido reconocimiento, que se agregara el chef que preparó cada platillo. 

Recomiendo Pig, déjense sorprender, libérense del prejuicio y piensen en lo que cada uno llevamos dentro y no dejamos salir porque estamos atrapados sin superar lo que nos está lastimando el alma. Sean como Rob. 

Pig: 7/10 en un sólido y emocional debut de Sarnoski, y gracias a la que es probablemente la mejor actuación en años para Nicolas Cage.

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A quiet place II, menos silenciosa, menos efectiva

 Recuerdo cuando vi A Quiet Place, una refrescante perspectiva del clásico conflicto de la invasión alienígena, contada desde un punto de vista cerrado y enfocado en una familia, y como enfrentaban la nueva realidad, huyendo de estos alienígenas que no te pueden ver pero pueden escucharte para detectarte. En ese momento me pareció un ejercicio muy bueno, con notas intensas y una gran dirección. Por supuesto, entonces tampoco me pareció que fuese a necesitarse una secuela. La historia es autocontenida y el conflicto, si bien no se resuelve definitivamente, hace crecer y desarrollar los personajes. ¿Qué podría traer una secuela? 

Pues, para comenzar, comprendamos que la segunda parte funciona como ambos precuela y secuela. Esta vez apreciamos el momento de la llegada del invasor, y las consecuencias de lo que vimos al final de la primera parte, manteniendo la intensidad, y añadiendo a las actuaciones, un muy efectivo Cillian Murphy. 

La historia logra funcionar de la misma manera que la anterior, generándonos preocupación por los personajes y la incertidumbre sobre sus destinos, que se mantiene hasta sus últimos minutos de forma electrizante.

La cinematografía funciona a la perfección y el trabajo de edición en el sonido vuelve a dar la nota, con lo que representa en la historia, volviéndose un elemento determinante, al igual que la fantástica banda sonora de Marco Beltrami.

Si hay algo que aun me deja la sensación que pudo ser mejor, y es por lo que siento que está una barra abajo en la efectividad, es que, dada la situación de la pérdida de novedad de las criaturas invasoras, necesitábamos más que nos mantuviera atraídos, y lo que recibimos fue una leve adición en la imagen de los sobrevivientes que se han adaptado a vivir en huída, y el hecho que hay decisiones que, dadas las circunstancias que nos plantea la película, no tienen demasiado sentido, caso contrario a su primera parte.

Con lo que nos muestran en los minutos finales, aún es posible que obtengamos una parte 3, aunque, de nuevo, y como lo menciono sobre la primera parte, se me hace muy innecesaria, mostraría un auténtico desenlace. 

En fin, recomiendo que la vean, pero vean antes la primera parte para que vean todas las perspectivas. 

Búsquenla pronto en HBOMAX

A quiet place II : 7/10

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Black Widow, muy poco, muy tarde

 Hace unos años, Warner dio en el clavo con una historia inspiradora sin llegar a niveles evangelizadores, con la primera película de súperhéroes protagonizada por una heroína de primera línea. Wonder Woman abrió el camino a una gama de héroes para poder presentarse en películas con un éxito aceptable. Sin el éxito de Wonder Woman, habría sido mucho más difícil que Disney se hubiese animado a producir más líneas argumentales para personajes femeninos bien construídos, con secuencias que se volverían icónicas en el cine de este género. Sin embargo, han pasado 4 años y una pandemia entre el estreno de la refrescante aunque imperfecta Wonder Woman, y la aceptable pero intrascendente Black Widow. Y no, la película no es mala, es solo que no marca casi nada en el Universo Cinematográfico de Marvel. Lo rescatable es conocer una historia detrás del personaje, y es algo con lo que podrían rescatar a cualquier personaje que ya se ha despedido del Universo. Podríamos preguntarnos lo que pasaba entre películas o antes de ellas, con personajes que ya están establecidos. Y esa es la virtud de Black Widow, y su falla, puesto que no ocasiona ninguna alteración en la línea argumental general de Marvel, aunque nos de más detalles de la vida como individuo de Natasha Romanoff. 

Scarlett Johannson hace un papel bastante contenido y decente con su personaje, mostrándonos el mosaico de emociones que le han sido arrebatadas con su crecimiento desde que la forzaron a convertirse en Black Widow. Pero sobre ella, es Florence Pugh quien da una gran actuación. Olviden su absurdo intento de imitar acento, su personaje es refrescante, interesante, y estemos seguros que nos esperan varias películas más viendo su desarrollo. 

En cuanto a la factura técnica, Disney hace un gran trabajo con la escenografía, las peleas y sus coreografías, y la dirección de arte en general. 

Hay decepciones, ciertamente, como la decepcionante revelación sobre la identidad del Taskmaster, de quién esperábamos más si hablaban a lectores de la fuente original, y que, desde ya, está ahí entre las decepciones más grandes del MCU, junto a la revelación sobre el Mandarín en Iron Man 3. 

En resumen, buenas actuaciones, buena ejecución y ritmo, pero una historia un poco endeble para ser el debut solitario de Black Widow en el cine, y el gran intento después del fiasco que resultó ser Captain Marvel.

Black Widow: 6.5/10.

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Luca, la aceptación de lo diferente

 La más reciente de las producciones de Pixar para Disney viene en forma de una entrañable amistad de dos niños en las costas italianas de los años 50's, que bien podría haber sido una reinvención de La Sirenita, que podría pasar sin pena ni gloria como la mayoría de sus adaptaciones, pero en este caso, el fantástico storytelling, y la perfecta creación y desarrollo de personajes que hace la gente de Disney/Pixar logran el efecto deseado. 

En Luca, el protagonista homónimo, Luca, es un joven tritón que vive en lo único que conoce, la tranquilidad y paz de su monótono trabajo pastoreando un rebaño/cardumen en la riviera italiana, mientras escucha las terroríficas historias de su familia sobre lo que hay en la superficie, y porqué no debe acercarse, generando, como en todo joven, más curiosidad que miedo. Y es así que esta historia se vuelve una de descubrimiento y reconocimiento de lo diferente. 

Luca descubre casi por accidente, que al salir del mar, se transforma en un niño como cualquiera de la superficie, y es ahí donde conoce a Alberto, quien se vuelve su primer amigo, de esos que llevas toda la vida. Juntos, intentarán conocer el mundo y saltar, casi literalmente, del pequeño estanque que era el mar, a conocer ese enorme mar desconocido que resulta ser la superficie, el mundo, lo desconocido. Por supuesto, no sin causar un enorme revuelo en el pueblecito pesquero en el que se unen a una competencia, con el fin de comprar la maravillosa Vespa que los llevará a recorrer el mundo . 

Conocerán amigos, villanos, y un pueblo que se tomara un tiempo en conocerlos, y aceptarlos, en lo que bien vendría como moraleja de la historia. Podemos ser diferentes, pero eso debe unirnos en lugar de separarnos. 

La música es muy buena, y la animación, maravillosa como siempre. Sin embargo, es definitivamente en el campo de la narrativa en que Luca resulta ser un éxito. 

No es en definitiva lo mejor de Pixar, puesto que hay fórmulas prehechas, como la búsqueda de aceptación, la transformación, etc, pero si triunfa en la ejecución de dichas fórmulas. 

Luca: 7.5/10.

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Nuevo Orden, o la lucha de clases vista desde lejos

 Comencé a ver esta película de Michel Franco, por sus menciones en el Festival de Venecia del 2020, y por las opiniones sobre su temática política un tanto intensa para la actual situación del mundo. Y resulté quizás un poco decepcionado. 

Y es que, si bien Franco consigue armar una interesante historia, hilarla bien y desarrollar una atmósfera siniestra y al mismo tiempo que distópica, cercana, su problema está en la forma de tomar el conflicto principal, reduciéndolo de forma superficial, como quien voltea hacia el otro lado en lugar de llegar al meollo, a la motivación. Porque a la película no le interesa la motivación, le interesa el valor del shock que puede ocasionar en el espectador, lo cuál, dicho sea de paso, consigue fácilmente, con escenas que a veces poco contribuyen al desarrollo de la historia. 

Para ser igual de reduccionistas que logra ser esta película, puedo resumir en la visión somera sobre la lucha de clases en el México de un futuro cercano. Vemos el contraste entre la felicidad de una familia privilegiada, con sus invitados ricos en un barrio lujoso de México, mientras en las afueras, una rebelión de las clases empobrecidas parece ir cobrando fuerza mientras los ricos deciden ignorarla, porque, ¿cuándo ha sido un peligro real para ellos? Pues, esta vez la rebelión los alcanza, y la avalancha de la clase obrera, los ricos son asesinados, robados, humillados, y todo es mostrado sin contemplaciones. En algún momento ves la película y decís, "pobres millonarios", y es lo que se obtiene al no dar voz a las motivaciones, volviendo a los pobres una masa furibunda, vengativa y sin razonamientos.

 

Luego, conocemos como los ricos se trasladan a lugares más privados, mientras la situación de las rebeliones da pie a la distopía mexicana, y se comienza a establecer un gobierno militar que toma el control de todo mientras aprovecha para el pillaje de los ricos, que los sostienen y sostendrán, y el abuso sobre los pobres, que como es costumbre, resultan ser los más afectados. 

Si hay algo que es positivo a mencionar, es la facilidad con que el guión se desarrolla, y el atrapante ritmo que desencadena las situaciones sin dar lugar a un segundo de aburrimiento, en eso precisamente, Franco ha tenido éxito. 

En general, esta historia, en forma de cuento de advertencia sobre los peligros de un estado controlado por grupos político-militares funcionaría mejor si se le agregaran 15 minutos de contexto político social de todas las clases, y no se abusara de la perspectiva de los millonarios, y es por eso, que Nuevo Orden pasa de ser un intento burdo de emular la visión de Parasite,y queda en un ensayo demasiado edulcorado de la realidad social latinoamericana. 

Nuevo Orden, disponible en Amazon Prime: 6/10

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Tengo miedo, torero.

El cine funciona más cuando logra sintetizar momentos, sensaciones y personajes que los trascienden. El cine latinoamericano busca normalmente acoplarse a esos puntos para sobresalir, ahí donde los millonarios presupuestos no llegan. Con Tengo miedo torero, lo que podría ser el testamento del inmenso talento de Pedro Lemebel, se vuelve un emotivo y honesto viaje en el tiempo a la década de los 80 en el Chile bajo la dictadura de Pinochet, en un momento en que el contexto socio político exigía un compromiso inmenso, y de la misma forma un compromiso interno, con la persona que sos y lo que sentís. 

Alfredo Castro hace un papel enorme como el protagónico inesperado, que se ve envuelto en un dilema político-amoroso, que realmente cuándo no es la misma cosa? De esta forma, conocemos la vida y el contexto social en que la desarrolla el homosexual marginado por la sociedad, y utilizado por la gente con poder. Y lo vemos participar de uno de los momentos más críticos dentro de los años finales de la dictadura.

Cuando los personajes son tan fuertes e importantes, mucho del tema visual pasa desapercibido, y eso solo refuerza la portentosa dirección y la fina adaptación de la novela de Lemebel. Aunque hay segmentos que son ignorados para potenciar el retrato íntimo de los personajes, no le resta la inmersión en la coyuntura chilena nunca. 

El diseño de producción logra mostrar la forma de vida de la protagonista, y sus penurias, y sin embargo siempre es un personaje lleno de dignidad y amor. 

Desde la primera escena te logran atrapar y contextualizar al personaje. 

Como un excelente filme de contenido social, puedo recomendar Tengo miedo torero, de Rodrigo Sepúlveda, una película en que lo inesperado lleva a lo urgente, y donde el amor se esconde en el compromiso. 

Tengo miedo torero: 7/10

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Cruella, y la reimaginación del mal

 Disney tiene ya varios años de estar intentando producir películas sobre personajes de sus producciones animadas más conocidas desde perspectivas un poco más cercanas, adaptándolas al live action, con resultados, en general, bastante ordinarios. Para mí, todo eso acaba con la reimaginación del personaje de Cruella, en el más reciente de los proyectos que estrenaron. 

Lo que fracasó en El Rey León por la falta de espíritu, lo que fracasó en Beauty and the Beast por la falta de profundidad, y lo que apenas lograron por asomo en The Jungle Book, funciona de manera milimétricamente coordinada en el estilo propio de Cruella. 

Al fantástico trabajo de fotografía, de diseño de producción, y de vestuario, se le debe sumar una perfecta actuación de la pareja de Emmas, ambas maravillosas en sus respectivos papeles, acorde a lo que deberían mostrar. 

Definitivamente es una película que recomiendo, más allá de lo que podamos hablar en contrario, como el horrendo trabajo de CGI en los perros dálmata, y de las críticas por la mezcla de Devil Wears Prada y Joker que le podría resultar a cualquiera. Y es que Emma Stone hace un extraordinario papel con un personaje que era previamente unidimensional, y le da intensidad, volviéndose casi un misterioso Banksy, una activista de la moda, que va contra el canon de forma pública, aunque en privado tenga su propio plan de venganza. 

Los personajes están bien hilvanados, la historia se desarolla de forma sencilla y cautivante, y las motivaciones quedan claras. Por más innecesario que resulte humanizar a villanos que siempre hemos creído a ciencia cierta que son malvados porque así es su naturaleza, Cruella logra rescatar y justificar la maldad que desarrollará Cruella. Seguramente en una etapa intermedia entre esta y la pasada iteración del personaje. 

Veo fácilmente a esta película con un par de nominaciones al Oscar el próximo año, entre ellas Diseño de Vestuario, Diseño de Producción, y Canción Original. 

Cruella, disponible en Disney +: 8/10

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